Syracuse

Pour aller plus loin :
https://www.francemusique.fr/culture-musicale/la-musique-des-jeux-video-un-monde-a-decouvrir-66460

L’importance d’une bonne bande originale dans un jeu

De nos jours, l’univers musical d’un jeu vidéo est un aspect auquel de nombreux joueurs font particulièrement attention, en conséquence les studios de créations soignent de plus en plus leurs OST (Original Sound Track ou compositions originales) , comme vu plus haut.

Depuis une bonne quinzaine d’années la BO d’un jeu intervient même avant la prise en main du jeu, dans les sacro-saints trailers (bande-annonce). En effet, comme c’est le cas au cinéma depuis longtemps, le secteur du jeu-vidéo a bien compris l’importance et le formidable outil de communication que sont les bandes-annonces.

À l’origine de « simples » vidéos de présentation des fonctionnalités du jeu, ils sont devenus primordiaux dans les stratégies de communications et de marketing des studios de développement. Certains grands noms du jeu vidéo pratiquent cela depuis longtemps déjà, comme Blizzard Entertainment, Activision, Naughty Dog ou encore Rockstar qui proposent toujours de somptueuses bandes annonces, certaines relevant presque du court métrage. Bien entendu, afin qu’un trailer soit inoubliable, il lui faut un thème musical marquant.

Grâce à l’avènement des réseaux sociaux, des plateformes de jeux vidéo en ligne pour PC ou des « stores » des consoles de salons, les studios indépendants de plus petite taille peuvent également communiquer massivement et facilement pour transmettre leur univers visuel et musical aux joueurs.

Un exemple de succès triomphant dû notamment à sa BO est Hotline Miami, un « Top Down Shooter » (jeu de tir vu de dessus) réalisé en « pixel art », où la violence excessive des combats et la BO retro/synthwave extrêmement entraînante vont de pair. Dès la sortie, en 2012, des énigmatiques premiers trailers tournés comme de très courts métrages accompagnés seulement de la BO du jeu, ce fut le début de la gloire pour les développeurs, mais aussi pour un certain « M.O.O.N », dont le tout premier EP de 4 titres figure sur la BO et a été écoutée des millions de fois toutes plateformes de streaming audio confondues. Hotline Miami s’inscrit dans une période charnière du « come-back » de la musique électronique retro ou «Synthwave », inspiré du film Drive (voir I.1) dont le thème mémorable Nightcall composé par les français Kavinsky et Carpenter Brut figurera quelques années plus tard sur la BO d’Hotline Miami 2.

 
Trailer d’Hotline Miami.

Par ailleurs, avec les avancées technologiques et l’essor des jeux en mondes ouverts, les grands studios comme Rockstar proposent d’inclure des playlists de qualité dans les jeux, c’est le cas par exemple de Grand Theft Auto, où le personnage peut sélectionner une radio par genre musical dans son véhicule selon les goûts du joueur (qui n’a rien à envier aux radios thématiques de Deezer au Spotify) ou créer sa propre playlist !

Reprise, remix et réappropriation de titres emblématiques

S’il est une chose que la communauté des joueurs adore faire, c’est se réapproprier, transformer et partager ses passions. S’amuser avec les thèmes musicaux fait partie d’une longue liste de pratiques très répandues parmi les joueurs.

Dans un premier temps, on a vu apparaître les BO de nos jeux préférés compilées en playlist pour pouvoir les écouter à loisir, puis de nombreux artistes se sont essayés à l’exercice des reprises sur leurs instruments de prédilections, certains produisant de véritables petits bijoux musicaux.

 
Cover de The Witcher 3 par la youtubeuse Alina Gingertail.

D’autres ont préféré réadapter ces thèmes bien connus dans différents styles musicaux, allant de l’électro au métal en passant par le chant a cappella ! On voit également apparaître depuis quelques années des compilations « zen » ou pour faire du sport, voire même pour se concentrer sur son travail (comme l’explique très bien cet article).

 
Reprise a capella de Mario Kart.

Le phénomène a pris une telle ampleur que des orchestres classiques organisent désormais des concerts de musiques de certains jeux vidéo un peu partout dans le monde, une tendance qui a commencé au Japon dans les années 2000. Quel que soit votre jeu favori, il y a de très fortes chances que vous puissiez en retrouver les thèmes et bien plus quelque part sur Youtube.

 
Un concert de The Witcher 3.

Les jeux vidéo musicaux, de Simon à la réalité virtuelle

Comme vu précédemment, la musique est une composante inhérente au jeu vidéo depuis sa création avec une grande intéractivité entre ces deux médias.

La musique, quant à elle, flirte depuis longtemps avec les territopires ludiques : depuis le jeu des chaises musicales en passant par le karaoké jusqu’au « blind test », les jeux musicaux sont nombreux.

L’ « ancêtre » du jeu vidéo musical est le jouet électronique Simon,  créé en 1977 par l’un des pères du jeu vidéo, Ralph H. Baer, inventeur de la première console pour particulier, la Magnavox Odyssée.

Mais c’est dix ans plus tard en 1987 qu’est créé le premier jeu vidéo rythmique sur la console NES (Nintendo) : Dance Aerobic. Le but est de suivre les mouvements de la coach de fitness grâce au PowerPad NES, un paddle de 12 touches, sur lequel il faut appuyer en rythme avec la musique.

Néanmoins, la production de jeux vidéo musicaux reste en suspens dans un contexte de crise du modèle économique et des techniques limités de stockage.

C’est à partir de 1996, poussé par l’essor du marché vidéoludique et du marché télévisuel musical (la grande époque de MTV) que le jeu vidéo musical s’impose dans les foyers.

Le jeu PaRappa The Rapper sort sur Playstation et reprend les codes du genre : interface, aspect rythmique, graphisme… Mais il est original puisque ce n’est pas des notes de musique que le joueur produit mais des mots qui forment un texte de rap !

Les années 2000 constitue l'âge d'or des jeux vidéo musicaux. En 2001 sort 2 grosses licences : Frequency (PS2) qui révolutionne le genre en étant le premier jeu à introduire des morceaux en version originale et REZ (Dreamcast, PS2), qui innove aussi en combinant jeu de tir et jeu de rythme.

 
Le jeu Rez.

En 2005 le studio Harmony, concepteur de Frequency, sort le jeu mythique Guitar Hero. C’est immédiatement un énorme succès, dû essentiellement à sa playlist composée de morceaux incontournables. Guitar Hero touche aussi bien les amateurs de musique que ceux du jeu vidéo.

A cette période, la chute des ventes de disques attire aussi les éditeurs musicaux vers les jeux vidéo. En témoigne cette anecdote : le guitariste d’Aerosmith dit s’être fait plus d’argent avec le volet Guitar Hero Aerosmith qu’avec leur album phare Toys in the attic ! D’autres licences utilisent des morceaux originaux à cette période à l’instar de Singstar, jeu de karaoké qui connut un grand succès dans les années 2000 (décliné dans une trentaine de volets !) ou Rock band, le pendant multijoueur de Guitar hero.

Ironie du sort, à la fin des années 2000, cette saturation de jeux musicaux provoque sa perte, le public se lasse et le genre tombe en désuétude jusqu’au milieu de la décennie 2010.

A cette période, les progrès technologiques en terme visuels portés par les consoles dites de la huitième génération (PS4, XBOX one…) et les PC, inspirent un renouveau des jeux vidéo musicaux. Les jeux de rythmes entrent en résonnance avec un design léché et futuriste permis par les puissants moteurs graphiques. Le jeu vidéo Thumper, sorti en 2016, en est un bon exemple : décrit par ses concepteurs comme un « jeu de violence rythmique », il procure des sensations de vitesse sans précédent.

Mais c’est l’arrivée sur le marché vidéoludique des casques VR (réalité virtuelle) qui place définitivement l'expérience sensorielle au cœur des jeux vidéo musicaux de notre époque. Thumper cité précédemment sort d’ailleurs en VR au côté de jeux comme l’incontournable Beat Saber dont le but est de casser des cubes avec un sable laser, en rythme sur la musique, tandis qu’ils arrivent droit sur le joueur en immersion. Sur le même principe on peut aussi citer Audioshield où le joueur doit repousser avec des boucliers les beats qui s’abattent sur lui.

On remarque aussi que le style musical utilisé dans ces jeux évolue. Alors qu’on était plutôt sur du rock et de la pop dans les jeux musicaux des années 2000, aujourd’hui c’est l’electro qui prime. Le joueur progresse dans les jeux sur des BPM effrénés.

Notons que les versions PC de ces jeux permettent au joueur de jouer avec des musiques importées de sa propre playlist !

Aujourd’hui, les jeux vidéo musicaux ont bien pris ce virage VR et ont même participé à son succès, promesse d’un bel avenir dans le milieu vidéoludique !

Pour conclure,
La musique de jeux vidéo a énormément évoluée au fil de ces 40 dernières années. Son histoire reste différente de celle des autres genres musicaux car elle est directement liée à celle du jeu vidéo. Ce rapport intrinsèque en a fait son identité.

Néanmoins, avec cette interdépendance, une crise du marché du jeu vidéo pourrait être fatale à la musique de jeux vidéo, même si l'on a du mal à voir cette tendance arriver.

Aujourd’hui l’offre vidéoludique est telle que chaque personne peut trouver son bonheur dans un jeu, même si l'on n’est pas « gamer » à la base. Des jeux comme Journey, Abzû, Gris… se vivent comme de courtes histoires et leur poésie est grandement appuyée par la musique.

On peut donc se dire que tant que cette variété  sur le marché sera maintenue, la musique de jeux vidéo aura un bel avenir devant elle.